DETERGENTE BRILLO

2007-02-04T20:28:00.000+04:00

2007-02-03T13:52:00.000+04:00

2007-01-31T00:13:00.000+04:00

2007-01-30T22:15:00.000+04:00

2007-01-29T12:41:00.000+04:00

2007-01-28T15:56:00.000+04:00

2007-01-27T14:38:00.000+04:00

2007-01-21T21:47:00.000+04:00

Perteneciente a la serie Teen Party Riot.
178x110cm.
Tinta china sobre papel.

2007-01-06T23:16:00.000+04:00

TEEN PARTY RIOT.
Tinta china sobre papel.210x156cm.

2006-12-25T21:23:00.000+04:00

TEEN PARTY RIOT. 1 y 2
Tinta china sobre papel.
210cm. x 167cm.

2006-12-25T21:21:00.000+04:00

2006-12-25T16:37:00.000+04:00

2006-10-29T23:00:00.000+04:00

GALERIA T20.
FAN CLUB
Galeria PEDRO DE OLIVEIRA.OPORTO
Imágenes del DVD "I'M AFRAID TOO".

2006-10-29T22:34:00.000+04:00

*Boys don't cry.

Dentro de los parámetros de actualidad y reflexión sobre el contexto social y político, me gustaría incluir dos imágenes de la obra"Boys don't cry" , que se pudo ver en el espacio anexo del MARCO durante la exposición "Urbanitas", así como en el "forum" de Barcelona.

El punto de partida inicial a nivel técnico es similar, se trata de alteraciones sobre una breve secuencia de la pelicula Superman. Estas alteraciones sobre todo al referidas a las pistas de audio y montaje proponen un nuevo discurso donde el héroe da la espalda al mundo que nos rodea .El sueño del bienestar y la seguridad cae echo pedazos, entre sollozos y temor el héroe ha dejado de serlo, ya nadie volverá a estar seguro.

2006-10-29T22:09:00.000+04:00

*Secuencia de I See a Giant.9/11

2006-10-29T21:55:00.000+04:00

*Texto de Manuel Olveira a propósito de la obra "I See a Giant.9/11 incluida en la exposición "O futuro da actualidade" en el C.G.A.C

SUSO FANDIÑO

La historia tiene múltiples caras y matices (como acabamos de ver en este periplo por diferentes autores y obras, por conceptos y prácticas actuales), se encuentra interpretada de muchas maneras, sus sedimentaciones tienen un lago alcance y están constituidas por muchos tipos de materiales. Suso Fandiño (Compostela, 1971) reflexiona sobre la historia también de muchas maneras. Apropiándose de imágenes de teleseries, de iconos mediáticos como Andy Warhol o artistas telúricos como Jackson Pollock, analiza cómo construimos y reconstruimos el complejo edificio de lo que llamamos historia del arte, historia de la cultura popular, historia de los medios de comunicación, etc.
Su referencia a todo ese complejo entramado de información, historias e imágenes sociales de ciertos mitos mediáticos o hitos mitificados se resuelve de muchas maneras, aunque la ejemplificada en Veo un gigante es muy desasosegadora. Ya no se trata sólo de revisitar la historia -en este caso El Quijote de Cervantes- sino de hacerlo mezclando dos referencias dispares.
En la corta trayectoria de la obra de Suso Fandiño hay una continua presencia del still life, de animaciones cortas que se repiten, de tiempos que se comprimen y se auto-sostienen. En este caso, también, pero la coexistencia de dos ritmos y dos tiempos dota a la obra de un atractivo inquietante. Por un lado está el tiempo de las noticias, el audio de la locutora de la televisión que habla del desplome de las torres gemelas el 11 de septiembre de 2001 Y por otro lado está el tiempo lento y sosegado del molino de viento. Son dos tiempos con una dimensión muy diferente, tal y como Simón Pacheco nos evidenció en A illa, Iceberg y Telexornal.
El choque de esos dos tiempos es muy aleccionador porque nos coloca en otra posición a la hora de analizar las urgencias de eso que llamamos actualidad. Tenemos prisa y necesidad de estar informados, a pesar de no tener tiempo para leerlo o escucharlo todo con atención. Generalmente miramos las noticias mientras ojeamos un libro o comemos, miramos por la
ventana mientras sintonizamos la radio o nos duchamos con la televisión en marcha para escuchar las noticias del día. Toda esa prisa se acelera por el propio ritmo de los acontecimientos y por la continua estimulación mediática. Los media necesitan estimularnos cada vez más porque de lo
contrario perderemos interés ya que estamos haciendo otras cosas que quizás nos hagan despegarnos de la pantalla o del auricular.
Ese tiempo comprimido, gastado, acelerado, impaciente siempre corriendo hacia delante contrasta con el tiempo lento y cansino de un molino de viento. El tiempo de la actualidad colisiona con el tiempo de la tradición. El tiempo de las noticias choca contra el tiempo de la naturaleza que mueve las aspas. El tiempo urbano colisiona con el rural.
El tiempo, al final, nos responde indiferente como indiferente asiste impasible y sereno un molino de viento ante la importancia crucial y el suceso global de un atentado como el de las Torres gemelas. La relativización del tiempo también relativiza la importancia de lo que pasa.
Esta colisión de dos concepciones del tiempo es una disputa sin solución porque los dos conceptos suponen también dos criterios internos tan radicalmente diferentes que los imposibilita a zanjar la cuestión a favor de uno u otro. En esa disyunción vivimos.

2006-10-29T03:37:00.000+04:00

*Entrevista para Bumerang "culturagalega.org"
http://www.culturagalega.org/colaboracion_bumerang.php?
id=1&aid=348

Suso Fandiño
Suso Fandiño (Santiago de Compostela, 1971) persiste na paisaxe da arte actual galega desde unha posición de plena experimentación, partícipe como activador dunha vertente de obras que reflexionan sobre a historia desde unha intención apropiacionista, pero sobre todo irónica e lúdica. Estivo presente nos últimos anos en certames de novos artistas, en colectivas de tese (Indisciplinados, Bienal de Arte de Pontevedra, etc.) e gozou de mostras individuais no Centro Torrente Ballester e na galería Ad hoc, coa que traballa habitualmente e coa que participa en feiras como Art Lisboa, Arco ou Loop’04. Na actualidade traballa en dúas exposicións individuais que terá nos próximos meses nas galerías Pedro Oliveira de Porto e T20 de Murcia, e está seleccionado no importante “Salon Europeo de Jovenes Creadores” que se inaugura estes días en París e que viaxará por diversas cidades europeas.

Búmeran é participación. un diálogo coas novas voces das artes plásticas e visuais contemporáneas; un proceso aberto con 30 autores de plena actuación creativa.

Búmerang1.
Analizamos mellor a túa obra como parte dun proxecto contaminado, irónico. ¿Cales son os referentes ou claves do teu traballo?

Utilizo a ironía como recurso, en moitas das miñas (pro)posicións, non como un fin senón como un medio lingüístico de achegamento ó contido. Creo que non deberiamos quedarnos na anécdota inicial de como se articula a formulación inicial co espectador en relación ó irónico. Estou interesado en utilizar un tipo de linguaxe directa e pública, por iso, o emprego do sarcasmo ou da ironía como medios de achegamento permítenme abrir un contido ó espectador, cunha posición sobre o contido non “viciada” na literalidade dunha formulación pechada. É un recurso e ás veces un pretexto. En todo caso non hai unha intencionalidade meramente humorística. Os referentes temáticos que utilizo lévanme xeralmente a deambular máis cara ó esperpento que cara ó cómico; intento que esta liña de fronteira sexa borrosa. O sorriso do paiaso é permanente mentres dura o espectáculo, pero está sobredibuxado sobre un rostro humano, esta máis achegada ó aceno que ó sorriso.

Búmerang2.
Todo o teu traballo diversifícase entre diversos medios, nunha coherente evolución. ¿Cal pensas que é o lugar do soporte no traballo dun artista?

O tipo de soporte na miña produción pasou por un proceso evolutivo desde o seu emprego aséptico, como medio ou ferramenta ata o momento actual onde xoga un papel temático dentro da obra como dispositivo de significación. Móvome entre as novas tecnoloxías e os soportes históricos, non creo que ambos sexan excluíntes senón máis ou menos apropiados segundo as necesidades de tradución que cada (pro)posición necesite. Intento fuxir da devoción gratuíta ó soporte como fin e non como dispositivo que nos permite a interpretación dun contido.

Búmerang3.
Obras que gardan unha atrevida revisión da historia pouco vista en Galicia. ¿Como identificas esta opción apropiacionista?

Cada vez afástome máis do discurso literalmente apropiacionista, aínda o definiría como revisionista ou, no meu caso particular, simplemente transfiguracionista. De calquera xeito, a estratexia que emprego como vínculo co espectador intenta suxerirlle fracturas nos significados iniciais da súa expectación: deste xeito a utilización dunha iconografía facilmente recoñecible é indispensable para establecer o contido. Para iso os xogos desde a transfiguración dos contidos afectan ó continente, neste caso a cita directa ou a apropiación literal. Por outra parte, nos meus últimos traballos o elemento citacionista en relación directa á recente historia da arte diluíuse case por completo, buscando modelos menos directos e próximos no tempo, así como relacións co espectador máis democráticas.

Búmerang4.
Insisto na eterna pregunta: ¿consideras correcta a promoción dos artistas máis novos en Galicia? ¿cales serían as solucións ou os matices?

Esta pregunta lévanos irremediablemente a formularnos que tipo de modelo cultural nos interesa. Desde o meu punto de vista, existe una evidente falta de optimización tanto de recursos humanos como materiais. Tanto a industria cultural como as institucións foron incapaces de asumir este novo escenario de convivencia mutua. En principio a idea do amparo institucional alleo á industria cultural paréceme altamente inoperante e sobre todo artificial. Non creo no subsidio social senón na colaboración entre ambos ámbitos e entendo a promoción de capital humano no mesmo sentido. Centrándonos en Galicia e en relación ó noso contorno próximo, entendo que máis que subsidiar ó autor, deberíanse seguir modelos que demostraron ser máis eficaces á hora de exportar o seu potencial humano facilitando a formación, os recursos meramente técnicos ou a posibilidade de exportación.

Búmerang5.
Pensa nun proxecto que quixeras facer.

Creo que a idea de proxecto artístico está hiperatrofiada na actualidade. A necesidade de autocomplacerse e xustificarse adquiridos por determinados modelos de xestión cultural levou a idea de proxecto artístico ata a caricatura. A idea de proxecto desde o meu punto de vista, axuntar posibilidades con probabilidades e obviar o contorno xeral dese debate en relación á proxección artística e á súa proxección social (exhibición e distribución), denota a falta de solidez do discurso proxectual por parte dos autores ou no seu defecto a complicidade co ámbito de acontecemento. Estou máis interesado en entender o proxecto de supino proiicêre, transmitindo un concepto máis achegado a termos como lanzar ou lanzamento, que derivan do proxectual ó proxectil e en converter a posibilidade en probabilidade de produción.

2006-10-29T03:34:00.000+04:00

Imagen del video "The real story of the love boat"

2006-10-28T20:17:00.000+05:00

2006-10-28T19:57:00.000+05:00

*Rebuscando por los blogs del mundo mundial he encontrado esta opinión acerca de mi intervención en "la chocolatería". Dadas mis carencias en informática no he conseguido adivinar el autor/a. Lo siento date por citado.

http://compostela.blogspot.com/2006/03/casa-marcelo-y-suso-fandio.html
Casa Marcelo y Suso Fandiño

Asistí a una charla de Marcelo Tejedor, dueño de Casa Marcelo (en la calle Huertas, detrás del Obradoiro; más información en este blog): pensaba escuchar a un cocinero más o menos nouvelle cuisine y me encontré a un filósofo y un artista. Habló del proceso por el que tuvo que pasar, con un chef francés, de desaprender lo que sabía, para llegar al nivel cero, a partir del cual tenía que construir; de lo doloroso que es el sufrimiento necesario para aprender a hacer bien cada cosa, de la importancia de conocer cada uno de los materiales (incluso dijo, y lo decía totalmente en serio, y nadie se rió, que la zanahoria te tenía que hablar y que cuando eso ocurría, ya podías trabajar con ella), de la experiencia única y efímera de cada comida.Me parecía estar oyendo a un artista del Renacimiento.Con esa perspectiva, y con los análisis últimos de Periféricos (aquí -hay que buscarlo en los días 5, 18 y 19- y aquí -días 10 y 11-), puedo valorar mejor lo que plantea Suso Fandiño en A Chocolataria. Mi primera impresión fue bastante negativa; luego me enteré por Periféricos de que no se trataba sólo de cajas vacías apiladas formando un gran cubo, cada una con el siguiente texto (en inglés) 'este objeto no contiene obra de arte de ninguna clase', sino que se podía hacer lo que uno quisiera con las cajas (algo comenté entonces). Lo que no sé es quién dijo que se podía hacer eso: es un punto clave de la exposición. La segunda vez que pasé por allí faltaban muchas, otras estaban rotas y en las que estaban apiladas la gente había puesto frases (las típicas: Esto es una mierda, Ni Dios ni patria ni rey). La siguiente vez sólo quedaban dos cajas en el centro (cuando empezó habiendo quizá 500) y, apartada, otra en la que ponía un insulto a Suso Fandiño, con un papelito encima en el que se pedía que no se la llevaran. Parece que muchos alumnos de Historia del Arte se rebelaron contra la exposición.Y no es una obra de arte lo que hizo Suso Fandiño, sino una reflexión sobre la reacción ante el arte: la sacralidad que le confiere a un objeto el estar en una galería de arte y la reacción del espectador cuando se entera de que se espera de él que actúe respecto a ese objeto. Pienso que es la mejor clase de teoría del arte que se puede dar, y un acto interesante para desaprender lo que es el arte. Es como el cuadro Blanco sobre blanco de Malevich, colocado en el lugar donde antes se ponía un icono: en sí mismo es la negación del arte, pero a la vez es una reflexión sobre el arte sagrado y el vacío que dejó.Lo que me gustaría ahora es que, con el edificio pretencioso ya por los suelos, alguien vuelva a construir, alguien a quien los materiales le hablen, alguien que quiera transmitirnos algo, no sólo decirnos que ya no hay nada.

2006-10-28T05:13:00.000+05:00

2006-10-28T05:12:00.000+05:00

2006-10-28T05:10:00.000+05:00

2006-10-28T03:48:00.000+05:00

Generación XXL

Irvin Stone guionista de “Lust for life” y “The agony and the Ecstasy” daría poco crédito a cualquier revisión de mi biografía de artista, plagada de ninguneos y tonos en maravillosa grisalla. A diferencia de los héroes que deben dejar el lugar de origen en acto de voluntario exilio, para someterse a las fuerzas de la naturaleza y por ende de los mismos dioses, mi profética misión se ha quedado en tierra propia y encantada de la vida.
Urbanitas constata ese quehacer en defensa de una visión desde lo particular, que no particularizado, hasta lo más general y delata que los años no pasan en balde para nadie, ni siquiera para el “arte gallego”, si es que actualmente se puede hablar del mismo como tal, abriéndose en lo meramente aparente una fractura entre dos momentos bien diferenciados en los últimos 25 años, los ochenta y el momento actual.
Mi visión de conjunto no es ajena a todos los sinsabores que la situación en lo cercano a veces me produce, pero que se asumiendo desde la rigidez de lo inmóvil y desde el pesimismo imprescindible para andar por el mundo.
El diagnostico de la institución arte1 nos desvela la terrible y oportuna realidad del panorama general de acontecimiento, por otra parte no debemos sentirnos afligidos ante tal situación, ya se sabe mal de muchos consuelo de tontos, en este sentido estamos rasados al nivel de la media. El momento actual creado desde modelos ideológicos aparentemente dicotómicos aunque finalmente complementarios, “neocons” y “gauche caviar”2, nos permite realizar cualquier operación de sustracción o adición de significado en relación a la operatividad del dispositivo artístico, incluso la sustracción total como en el caso del artista británico Martin Creed3. Los limites de lo artístico se pierden haciéndose borrosos, mientras el mercado siempre lógico y aplicado paga más de 5 millones de dólares por “Michael and Bubbles” de Jeff Koons. Este aparente sinsentido no lo es tal. La puesta en cuestión está permitida, la función del dispositivo arte-sociedad está legitimada por la institución arte y cualquier intento de plantear un lenguaje alternativo o trasgresor es desconocimiento del medio o simplemente esa banalidad a la que se refiere Brea cuando describe la situación actual del arte4. Lo que no ha variado son los propios márgenes y lindes de la propia institución legitimados a la vez que pagados de si mismos. Los últimos estertores del modelo de institución y relación con la sociedad vienen dados por dos vías de legitimación la de la propia auto agresión (el arte que ya no desea ser artístico) ya antes calificada como banal y la enraizada en el ilusionismo de trampantojo que nos plantean la utilización como fin los nuevos medios, el mero ingenio, lo original o las nuevas posibilidades tecnológicas aplicadas a la producción artística. Esta vía de legitimación ha generado sus propios mecanismos y lenguajes de legitimación estableciendo lugares comunes donde hacerse fuerte ante cualquier ataque desde otras posiciones, esta metástasis real deambula entre el multiculturalismo como mala conciencia o terapia de grupo y la corrección política como dispositivo de auto regulación doctrinaria en las sociedades del primer mundo. Estas posiciones de lugar instaladas hasta la médula en la institución arte han creado un autor reaccionario y enmudecido, inmerso en el monosilabismo por respuesta, en el más puro estilo Warhol pero sin la ironía y el cinismo militante del artista de Pittsburgh. La literalidad en este modelo tardo romántico de mito oscurantista 5en relación al productor en el arte actual, dejaría conmovido al autor de biografías noveladas de artista al que nos referiamos al inicio de este texto. De cualquier manera la situación general y aunque en su inicio parte de un mal entendimiento de las relaciones entre autor, producto y espectáculo, se diversifica impidiendo la puesta en cuestión el relato del como y sobre todo del porque de la institución arte hasta el momento.
Desde esta proposición de urbanidad generacional me pregunto si la generación que nos preceda habrá trabajado y superado algunas de estas derivas que nos ocupan y como quizás sea lógico e imprescindible seamos victimas de nuestros futuros hijos. Para todos ellos suerte en la empresa y ánimo, la decadencia final de nuestra generación es ya una cuenta atrás.

Suso Fandiño
En Val do Dubra, Marzo de 2006
1 Entiendo como “institución arte”, la apreciación de George Dickie en El circulo del arte: Una teoría del arte. Determinando de un modo general a la institución como relación de agentes sociales y políticos que conforman el sistema de funcionamiento de lo que entendemos como mundo del arte.
2 Términos acuñados para designar a los nuevos conservadores y a las nuevas izquierdas.
3 Martin Creed gana el premio Turner correspondiente a la edición del 2001 con una instalación en la que aparentemente no se mostraba nada.
4 En referencia al texto de José Fluís Brea “Por un arte no banal” -Manifiesto- aparecido en Interferencia con el que comparto algunos de los síntomas descritos por el autor.
5 Gustavo Bueno describe en El mito de la cultura lo que denomina mitos oscurantistas para referirse al entendimiento de un fenómeno desde la superstición, la religión o las creencias populares.

2006-10-27T23:25:00.000+05:00

Bang, bang, bang…*

*Nueva York, 3 de junio de 1968.Onomatopeya aproximada del sonido producido por las balas al salir de la pistola de Valerie Solanas con dirección al cuerpo de Andy Warhol.

Posiblemente el cirujano que remendaba el desvalido pecho de Andy Warhol, tras la expresionista ráfaga de Valerie Solanas, desconocía que en cada puntada de aguja se encontraba uno de los símiles más interesantes de la segunda mitad del pasado siglo XX. Como cada una de aquellas incisiones reparadoras la posibilidad de habilitar lo deshabilitado se convierte en una tarea delicada y decidida por la que dejarse llevar.

Las posibilidades reparadoras del Arte Contemporáneo han sido reducidas en muchos casos a su mínima expresión, nuestra posibilidad y necesidad de pataleo se parece más al movimiento descontrolado de una gallina recién decapitada.

Como casi siempre corren tiempos de mueca ante el espejo, como respuesta ante un modelo que se empeña con obstinada persistencia en transitar los lugares ya recorridos por generaciones de artistas fallecidos en ingrato acto de servicio. Sería plausible ver a alguien apagando las luces y poniendo el cartel de cerrado por vacaciones a este circo, ya que sin duda nos encontramos ante los estertores de un modelo de autoría y producción pagadas de si mismas con dudosos honores. El contexto artístico en su aparente complejidad intenta desesperadamente asirse y reinventarse en su propio rigor mortis, pese a la incomoda sensación y la mala conciencia que a todos se nos queda.

Detrás de esta posición de dudoso equilibrio y peor equilibrismo nos encontramos en un punto del viaje, donde el jet lag provocado por las diferencias entre nuestra autocomplacencia y la cruda realidad, nos conducen al destino tristemente merecido, sin preocuparnos porque alguien haya extraviado nuestras maletas, porque del mismo modo que al Marcel Duchamp de 1917, toda nuestra robe de chambre consiste en un cepillo de dientes.

Las posibilidades de establecer un nuevo ámbito de acontecimiento, derivan hacia el cuestionamiento del modelo producción y así mismo a la (re)invención de los cauces de distribución de objetos o situaciones artísticas, mientras tanto el espejo conocerá todas las posibilidades de contorsión facial que nuestra mueca nos permita realizar. Para ello y como el remiendo sobre la carne viva, se impone hundir la aguja y corregir el rictus.

Suso Fandiño.